현대 음악의 상태
먼저, 뭄바이에서 지속 가능한 현대 음악 수업을 만드는 데 필요한 태도를 살펴보겠습니다. 하지만 버려져 있는 태도를 살펴보겠습니다. 우리가 만들 수 있고 만들어야 하는 이 음악은 우리 영혼 속의 마법이 양조되는 도가니를 제공하며, 이것이 창의적 사고에서 우리의 진화를 안내하는 템플릿을 형성합니다. 1950년대 초에 꽃을 피운 것이 바로 이 생성 과정입니다. 1960년대에 많은 신진 음악가들이 당시 유행했던 슈톡하우젠의 통합 시리얼리즘이라는 신선하고 흥미로운 신세계의 경이로움에 매료되었습니다. 그때는 무한한 흥분이 느껴졌습니다. 창의적 충동에는 한계가 없는 듯했습니다. 작곡가는 무엇이든 할 수 있는 듯했습니다. 당시 대부분의 작곡가는 시리얼리즘의 본질적인 한계를 주의 깊게 조사하지 않았습니다. 하지만 너무나 신선해 보였습니다. 그러나 곧 슈톡하우젠의 흥미로운 음악적 접근 방식이 신선했고, 당시 그가 결혼했던 시리얼리즘 자체가 신선하지 않았다는 것이 분명해졌습니다. 나중에 그가 사용한 방법은 궁극적으로 시리얼 장치를 초월하는 두 가지 특별한 고려 사항에서 태어났다는 것이 분명해졌습니다. 템포와 운율 패턴을 교차시키는 것과 특히 피치와 음색을 리듬의 특수한 경우로 취급하는 개념입니다. (슈톡하우젠은 크로스오버를 “접촉”이라고 불렀고, 이 영역을 탐구한 자신의 작곡 중 하나에 Kontakte라는 제목을 붙이기도 했습니다.) 이러한 제스처는 실제로 시리얼리즘과 독립적이며, 다른 접근 방식으로 탐구할 수 있습니다.
그 당시 가장 눈부신 접근법은 시리얼리즘이었고, (당시로 보이는) 이런 부수적인 것들은 아니었습니다. 하지만 시리얼리즘이라는 접근법이 새로운 문을 연 것처럼 보였지만, 현대 음악의 쇠퇴라는 씨앗을 싹틔웠습니다. 이 방법은 기계적인 예언에 매우 취약합니다. 결과적으로, 마치 레시피를 따르는 것처럼 작곡을 쉽게 만들어줍니다. 시리얼 작곡에서 덜 사려 깊은 작곡가는 작곡 과정에서 자신의 영혼을 돌릴 수 있는 듯합니다. 방법이 최고로 군림함에 따라 영감은 묻힐 수 있습니다. 음표 형성의 지저분한 복잡성과 자신의 본질(마음과 영혼 속, 어떤 의미에서는 우리의 친숙한 것)과의 필수적인 협력에서 경험하는 깨달음은 편리하게 버릴 수 있습니다. 모든 것이 기계적으로 되어 있습니다. 모든 것이 구획화되어 있습니다. 오랫동안 이것은 존경받는 방법이었고, 적어도 미국에서는 교실 교사와 젊은 작곡가가 될 사람들 모두에게 오랫동안 신성시되었습니다. 곧 음악적 분위기에 불모의 느낌이 나타났습니다. 많은 작곡가들이 무슨 일이 일어나고 있는지 조사하기 시작했습니다.